Sean Shibe
当 Sean Shibe 与 Shiva Feshareki 开始讨论如何让 Sean 在爱丁堡录音棚的工程师将 Shiva 在伦敦工作室提出的构想进行空间化呈现时，他们的合作便已经正式展开 - 这一项目最初在丹麦首演。 We cau
在使用基于对象的音频技术之前，您的期待是什么？
我过去主要习惯在立体声环境中工作，因此在接触这一技术时确实存在一定的知识缺口，需要弄清楚“对象”意味着什么，以及如何进一步与之互动。我并不完全确定它在具体操作中会如何呈现，也不确定某些参数可以被推到多么极致，但我大致清楚自己应该采取的基本方法。当您知道自己拥有一部由十五个部分组成的作品，并能够将这些部分准确地放置在应在的位置时，整个概念其实变得相当容易理解。不过，真正进入录音棚后又是完全不同的体验；在短短三小时的工作时间里即时加深对各项参数的理解，是相当具有挑战性的。
您能否向我们介绍一下您的另外两部作品，以及为何决定它们适合以 Soundscape 呈现？
我今天将演奏的两部作品分别是 Steve Reich 的 Electric Counterpoint，这部作品为吉他合奏或预录吉他轨道而作，通常由电吉他演奏，并配有一位电吉他独奏者；随后是 Julius Eastman 的Bhudda，这是一部主要以图示谱呈现的作品。 它包含二十行音乐，但并未指明这些行应按何种顺序演奏、是否需要同时演奏、应使用何种乐器、音量应如何控制；基本上，所有通常会被明确标注的细节在这里都不存在。因此，我对其进行了重新编排，并在某些情况下做出较为大胆的诠释选择，以使作品得以完整呈现。
但这两部作品都包含大量乐段，一旦将它们拆分开来，便能突出某些特定的音乐理念。因此，根据您的选择 - 也就是将哪些乐段放置在空间中的哪些位置 - 您可以重新诠释这部作品，并强调在传统立体声环境的现场演出中可能会稍显被掩盖的某些元素。
您能描述一下这对观众而言的效果吗？
这两部作品常会让观众感到声浪扑面，它们如同声音的海洋，在某种程度上形成一层音波般的覆盖。这意味着有时某些细节可能会被稍稍淹没。将这些声音进行空间化处理，或将它们作为独立对象布置在房间的不同位置，并能够随时移动这些对象的优势在于，声波的涌动或移动可以来自多种方向、甚至多种方向的组合，而不仅仅像传统设置那样来自舞台前方 - 相较之下，那是一种相对基础的诠释方式。
我想这也是让我难以迅速适应的原因之一，因为在过去的声学演出中，这类参数根本不在可控范围之内，我从未想过可以这样处理声音。这就像是必须立即以四维的方式去思考。
您与 d&b 团队之间的合作体验如何？
与 d&b 团队的合作非常轻松，他们是绝对的专业人士。我想这正是我所需要的，因为我目前对这项技术还不够了解，包括其中使用的一些术语，以及技术本身的细节。他们能够将我相对粗略的指示转化为听起来既自然又精致的声音效果。
Soundscape 为您未来的演出或创作带来了哪些新的想法？
不久前，在 IGF 和 King’s Place 的支持下，我委约了年轻作曲家 Sasha Scott 创作了一部名为 Rush 的作品。和 Shiva 类似，她的创作也大量涉及声音空间化处理，并推动作品超越简单的立体声概念。我们讨论她将如何帮助我和歌唱家 Ema Nikolovska 改编 Laurie Anderson 的 O Superman，以及如何在空间中呈现诸如“here come the planes”这样的歌词，还有 Laurie Anderson 录音中那种合成器声波轻轻扫过的效果。
我们一起在 Spotify 上听这段录音时，那种效果其实并没有真正呈现出来。但随后我们开始设想：基于 Sasha 的工作方式以及我最近在 d&b 工作室的经验，如果将其扩展为超越立体声的呈现方式，那些飞机、喷气声，或类似从观众头顶掠过的声音，是否可以以一种略带不祥的方式在空间中移动，从而真正被呈现出来？因此，这确实影响了我未来的合作方式。
在今晚您与 Shiva 的合作中，您将承担怎样的角色？
今晚我们将演出 Seismic Wave Orchestra，Shiva 使用转盘演奏，并对她所制作的预录声音进行空间化处理。而我今晚演奏电吉他，但会使用小提琴弓来拉弦，并通过一台大型放大器制造大量增益和反馈，整个作品只使用一个音高 - 吉他被完全调至 G。于是，我们以完全不同的方式，让彼此的声音在空间中形成对话，并轮流主导整个房间。严格来说，在今晚的设置中我的声音并未被空间化处理，只是从一个方向传来，也就是来自放大器本身；而 Shiva 的声音则会在空间中移动。这是一种由不同系统构成的互动关系。