Soundscapes in the Garden: Immersives Hörerlebnis in einem Wahrzeichen der Moderne.
Die Neue Nationalgalerie, das CTM und d&b verwandeln den Skulpturengarten in ein Rauminstrument und nutzen die Möglichkeiten von d&b Soundscape, um ein Symbol moderner Architektur zu erweitern und zu bereichern.
Zusammenfassung
Im August 2025 verwandelten die Neue Nationalgalerie, das CTM Festival und d&b audiotechnik den Skulpturengarten der weltberühmten Neuen Nationalgalerie von Ludwig Mies van der Rohe in einen Ort für immersives Hören und individuelle Kreationen. Anknüpfend an die Tradition des Museums, avantgardistische Musik zu präsentieren, lud die Veranstaltungsreihe Künstler ein, im direkten Dialog mit einem ikonischen architektonischen Raum, modernen Kunstwerken und einer individuellen Nebelskulptur zu komponieren.
d&b Soundscape bot den Kuratoren dabei die Möglichkeiten, um die ursprüngliche Vision der Architektur zu bewahren, anstatt eine generische feste Bühne zu installieren. Neben drei ausverkauften Live-Konzerten umfasste die Veranstaltungsreihe auch einen ganzen Tag mit neu in Auftrag gegebenen Klanginstallationen, die im Rahmen der Langen Nacht der Museen präsentiert wurden. In nur wenigen Tagen erlebten mehr als 8.500 Besucher die einzigartige Kreativität, die durch d&b Soundscape möglich gemacht wurde – ein neuer Maßstab für Raumklang in bedeutenden architektonischen Bauwerken.
Der Rahmen
Die Neue Nationalgalerie ist eines der wichtigsten kulturellen Wahrzeichen aus dem Berlin der Nachkriegszeit. Das von Ludwig Mies van der Rohe entworfene revolutionäre Gebäude aus Glas und Stahl gilt allgemein als eines der bedeutendsten Werke moderner Architektur und als eines der wichtigsten Gebäude des 20. Jahrhunderts. Nach Abschluss einer Sanierung im letzten Jahr ist es dem Museum gelungen, dem überragenden Ruf des Gebäudes gerecht zu werden und sich zum meistbesuchten Kunstmuseum in der Bundeshauptstadt zu entwickeln.
Seit seiner Eröffnung im Jahr 1968 hat die Architektur des Gebäudes immer wieder zu ambitionierten und fruchtbaren Dialogen zwischen verschiedenen Kunstformen angeregt. In den 1970er Jahren traten hier legendäre Künstler wie Alice Coltrane, Keith Jarrett, Cecil Taylor und Don Cherry im Rahmen der Reihe Jazz in the Garden auf. Als das Museum 2022 wiedereröffnet wurde, ließ Direktor Klaus Biesenbach diese Tradition wieder aufleben und erweiterte sie um das Format Sound in the Garden, das sich seitdem ständig weiterentwickelt hat und gewachsen ist.
In Anlehnung an dieses Vermächtnis führte Soundscapes in the Garden die Idee zu neuen Sphären. So sollte die Tradition nicht nur wieder zum Leben erweckt werden, sondern das Ziel war, sie zu perfektionieren. Zwar fehlten der Architektur die üblichen Eigenschaften eines Konzertsaals – es gab keine Bühne, keine Wände, keine akustische Hülle – doch dies wurde als produktive Herausforderung betrachtet und nicht als Hindernis, das man verbergen und umschiffen musste.
Für Kurator Gregor Quack nahm die Idee Gestalt an, nachdem er d&b Soundscape beim CTM Festival erlebt hatte. Er erkannte, dass mit objektbasierter Audiotechnologie eine große Vielzahl von Räumen in Orte für Raumkompositionen verwandelt werden können. Dieses System, so erfuhr er, ermöglichte es, klangliche Feinheiten in ungewöhnlichen Räumen zu erreichen, ohne deren räumliche und architektonische Integrität zu opfern.
Ziele / kuratorische Vision
Mit Soundscapes in the Garden sollte die gesamte Breite des Skulpturengartens mit Leben erfüllt werden, um das Publikum einzuladen, sich zwischen den Skulpturen, Pflanzen und Wegen umherzubewegen, anstatt sich vor einer festen Bühne zu versammeln. Quack erklärte dazu: „Bei den meisten Beschallungsanlagen wird das Publikum starr an einem Ort gehalten. Was wir wollten, war genau das Gegenteil: eine Umgebung, in der die Besucher umherlaufen, die Musik aus verschiedenen Winkeln erleben und spüren, wie sie sich mit dem Raum selbst verändert.“
Die Neue Nationalgalerie brauchte eine Lösung, die ihrem architektonischen Erbe und ihrer Lage im Stadtzentrum gerecht wurde. Das System musste sich unauffällig in das denkmalgeschützte Wahrzeichen von Mies van der Rohe einfügen, denn die Veranstaltungsreihe hätte sonst von der strengen Berliner Denkmalschutzbehörde gestoppt werden können. Das System musste immersive Klarheit bei niedrigen Pegeln liefern, um Probleme mit den Anwohnern der nahe gelegenen Wohnhäuser zu vermeiden. Zudem musste es die Ressourcen eines öffentlichen Museums effizient nutzen, indem es sowohl Live-Konzerte als auch Klanginstallationen mit gleichermaßen hoher Präzision unterstützte.
Daher gab es eine doppelte Vision: Die Tradition des Museums für furchtlose Experimente sollte gewürdigt und durch standortspezifische Werke, die Klang als räumliches Medium im Dialog mit Architektur und Skulptur nutzen, gefördert werden.
Die Lösung: d&b Soundscape
Nachdem d&b Soundscape als Rahmen festgelegt worden war, erforderte das Programm ein System, mit dem die Künstler für den Skulpturengarten selbst komponieren und dem Publikum ein räumliches Erlebnis bieten konnten, während es sich in einem geschützten architektonischen Wahrzeichen und einem der beliebtesten Orte der Stadt umherbewegte.
Mit d&b Soundscape konnten Klangobjekte entsprechend Alexander Calders Têtes et queue (1965), Eduardo Chillidas Gudari (1974)oder Daphne (1917) von Renée Sintenis platziert und bewegt werden, wodurch die Skulpturen in die Komposition und die natürliche Bewegung der Besucher eingebunden wurden. Da die Technologie Objekte mit mehreren Lautsprechern in Bezug auf Zeit und Pegel verstärkt, werden Klarheit und Lokalisierung bei niedrigeren Schalldruckpegeln als bei einem herkömmlichen Stereosystem erreicht. Dadurch wurde die unerwünschte Abstrahlung auf die umliegende Stadt minimiert und gleichzeitig die räumliche Tiefe und Präsenz innerhalb des Gartens erhalten. Die gleiche Konfiguration unterstützte Sprache, Klavierklänge, dichte Elektronik und Nebelinstallationen ohne Neukonfiguration und verband so technische Effizienz mit künstlerischer Vielfalt.
Systemanwendung
Die Konfiguration bestand aus 22 T10 Punktquellenlautsprechern, vier Y-SUBs und M4 Monitoren, die alle von sieben D80 Verstärkern angetrieben und über eine DS100 Signal Engine prozessiert wurden. Zusammen stellten sie 28 diskrete Kanäle zur Verfügung, die es möglich machten, dass sich objektbasiertes Audio präzise im gesamten Areal entfalten konnte.
Anstelle einer massiven Traversenkonstruktion setzte das Team 3,90 m hohe Beleuchtungsstative ein, die normalerweise für Filmbeleuchtungen verwendet werden, damit die Lautsprecher in der denkmalgeschützten Umgebung optisch unauffällig blieben. Nach der Installation und vor allem nach Einbruch der Dunkelheit war das System praktisch nicht mehr sichtbar, so dass die Ästhetik des Gartens erhalten blieb und dennoch die erforderliche Abdeckung erreicht wurde.
Die leichten T10 Lautsprecher waren entscheidend: Ihre kompakte Form ermöglichte eine sichere Aufstellung in maximaler Stativhöhe bei gleichbleibender Stabilität. Trotz der Größe des Gartens sorgten die Planung mit ArrayCalc und die präzise Positionierung für ein gleichmäßiges Imaging im gesamten Hörbereich.
Veranstaltungs- und Programmhöhepunkte
Die Eröffnungsnacht gab mit Blackhaine den Ton an, dessen physisch aufgeladene Performance Sprache und Bewegung kombinierte. „Man befand sich mitten in der Performance, weil er direkt neben einem stand“, so Philipp Kercher von d&b.
Der zweite Abend stand ganz im Zeichen von Hania Rani, die unter ihrem neuen Namen Chilling Bambino mit einem komplexen Aufbau aus Klavieren und Vintage-Synthesizern auftrat. Dank Soundscape blieb die Lokalisierung eines jeden Elements, während es sich bewegte, erhalten.
Am dritten Abend trat Pantha du Prince auf, der seinen Auftritt auf der Museumsterrasse begann, bevor er langsam in den Garten hinunterging. Das System übertrug diesen Weg auf den Klang: Glockentöne, die im hinteren Teil des Gartens positioniert waren, wurden elektronisch so gedreht, dass sie seinem Weg folgten und so die räumliche Orientierung mit der Bewegung des Künstlers in Einklang brachten.
Am letzten Tag wurde Fujiko Nakaya geehrt, die 92-jährige japanische Pionierin des Nebels als künstlerisches Medium. Ihre Skulptur verwandelte den Garten in eine wandlungsfähige Architektur, die während der Langen Nacht der Museen in Berlin stündlich aktiviert wurde. An bestimmten Stellen wurde der Nebel immer dichter, bis er die Sicht völlig verdeckte. In diesen Momenten, in denen außer dem Nebel nichts zu sehen war, wurde das Klangfeld zur primären Orientierungsquelle und zirkulierte als bewegliche Architektur durch den Garten.
Werke von Carsten Nicolai / Alva Noto, Stephen O‘Malley und dem Nachlass von Ryuichi Sakamoto wurden in dieser sich wandelnden Umgebung inszeniert, die nicht nur in Bezug auf Skulpturen und Architektur, sondern auch auf die veränderliche Dichte des Nebels selbst wahrgenommen wurden. Hinter den Kulissen setzten Ralf Zuleeg und Serge Gräfe von d&b diese künstlerischen Vorstellungen in einen räumlichen Mix um, in dem verschiedene Quellen und Darbietungen innerhalb desselben architektonischen Feldes verschmolzen.
Während des Auftritts von Blackhaine verdichtete Serge fast 90 Mono-Ausgänge zu etwa 50 Klangobjekten und positionierte sie so, „dass sie räumlich Sinn ergeben.“ Da sich der Künstler im Publikum bewegte, verließ er sich auf visuelle Zeichen und Kollegen, um der Bewegung zu folgen, die Stimme in einer Position zu fixieren und sie mit En-Space-Effekten zu verstärken. „Er befand sich im selben Bereich wie das Publikum und konnte genau hören, was sie hörten – das war für ihn sehr angenehm.“
Die erste Künstlerin am Freitag war Limpe Fuchs, die ein breites Spektrum an perkussiven und experimentellen Instrumenten im Gepäck hatte: Metallplatten, Steine und selbstgebaute Rohrtrommeln. Der Höhepunkt ihres Auftritts war ein vier Meter breites Lithophon, das aus Steinen zusammengesetzt war, die sie in den bayerischen Wäldern in der Nähe ihrer Heimat gesammelt hatte. In Kombination mit den zirkulierenden Klängen eines Moog-Synthesizers, dessen Klangobjekte mit d&b Create.Control automatisiert wurden, wurde der Auftritt von Fuchs zu einem ganz außergewöhnlichen Erlebnis.
Alle räumlichen Bahnen basierten auf detaillierten schriftlichen Anweisungen der Künstler und des Nachlasses von Sakamoto und verbanden vorgerendertes und räumlich programmiertes Material zu einem räumlichen Klangfeld. Über den Prozess stellte Serge fest: „Jedes Stück folgte einer eigenen Logik, und Soundscape ermöglichte es uns, die Kompositionen auf die bestmögliche Weise zu präsentieren.“
Fazit
Soundscapes in the Garden hat gezeigt, wie objektbasiertes Audio nicht nur als Wiedergabesystem, sondern auch als räumliches Instrument funktionieren kann. Im Skulpturengarten wurde der Klang nicht einfach zur Umgebung hinzugefügt, sondern in ihr positioniert und beeinflusste so, wie sich das Publikum bewegte, zuhörte und seine Umgebung wahrnahm. Das Ergebnis war weder eine Bühne noch ein Veranstaltungssaal, sondern ein beeindruckendes räumliches Feld, in dem Architektur, Skulptur und Klang ein neues Zusammenspiel fanden.
