Tim Hand

能否先介绍一下这个项目的背景，以及 Soundscape 在 King’s Place 中承担的角色？

这个项目此前曾在一次传统立体声扩声环境下呈现过。几周前，我们得以在 King’s Place 进行了一整天的排练 - 在使用 Soundscape 的语境下，这一点尤为关键。有这样一天排练时间简直像是馈赠。非常难得、非常棒。这也意味着我们可以更富创造性地运用它。

过去我接触 Soundscape 时，多只是模拟舞台的真实声源定位，并在空间中营造一些环境氛围。而今晚我们则能基于音乐内容进行更具创造性的声场设计，使系统能随曲目动态回应，同时也让我得以与乐队一起即兴发挥 - 他们的演奏本身就含有大量即兴成分。但正是前期的设置与调整做到位，才让我拥有现场发挥的自由度。

从声学条件来看，Hall Two 对 Soundscape 的配置有什么优势？在调音时您有直观感受到这一点吗？
从心理声学角度来看，Soundscape 会带来许多有趣的感受 - 例如您听到一支小号未经过扩声时是纯声学的声音，然后启用 Soundscape 增益放大后，实际声压更高，但观众却不觉得声音被放大过，因此反倒会觉得“不太对劲”，对吧？因为我们早已习惯并被固定的听觉经验“训练”成期待某种声音特征，而 Soundscape 呈现的却不是他们习惯接收的那种声音。

所以某种程度上，Soundscape 在一些场景下甚至显得过于自然 - 声源定位太好，以至于我反而需要通过 EQ 做一些平时不会做的处理，让它更像是来自 PA 的声音。 但这同时也让我的工作变得更加有趣 - 因为突然之间我拥有了前所未有的声音调色盘，可以进行更多创意表达。

这已经不仅仅是维持声部平衡。也不只是保证可听度。创作不再局限于“选什么混响”这样的层面。我会对乐队的即兴做出回应，我自己在某种程度上也在即兴创作 - 我以空间为媒介进行即兴，而这种情绪上的空间塑造，是传统 Left/Right 系统无法实现的。

所以我认为，Soundscape 为与艺术家的合作打开了全新的维度 - 因为您需要与他们沟通并共同决定音乐如何被感知，声音呈现方式的选择变成一个更深层的创作讨论。对我来说，这太棒了。我认为这对工程师来说是一个非常迷人且极具创意性的工作过程。

因为其中牵涉的变量非常多。说到演出之间的差异，是取决于演奏风格吗？还是创意的发挥？又或者取决于观众人数？

某种意义上，这很像爵士，每一场演出都不尽相同。而 Soundscape 也让我能够主动创造差异。传统的 Left/Right 系统里，如果第一场的声场平衡不错，第二场通常就保持不变。而现在的做法是，每场我都会尝试不同的处理方式，包括改变声源定位，让现场更具灵动性。

我把 Soundscape 的系统搭建成适合现场即兴操作的方式，我们确实预存了一些场景，但我更倾向于直接操控声像对象。对象分组非常关键，因为我一次只能完成一个操作，排练时我已经反复试过各种组合。

我会依靠当下的直觉决定怎么呈现。每场听起来都会不同，因为我会根据艺术家的表达去做反应，而 Soundscape 让我能做到这一点，这在其他系统中并不常见。过去我从未真正参与到即兴演出中。而现在我已成为即兴过程的一部分。

您认为在没有与艺术家建立合作基础的情况下，声音工程师也能临场创造性地使用 Soundscape 吗？

我认为完全可以，但和所有声音工作一样，这基于信任。艺术家需要相信您能够做出符合其作品审美与艺术判断的处理，而工程师也需理解他们的音乐气质，才能做出恰当决策。

我曾与几位此前从未合作过的艺术家制作过 Soundscape 项目，而结果可谓千差万别。有些艺术家非常愿意参与并希望保持主导，而也有些完全不想介入。或许他们还没有充分理解 Soundscape，只是单纯希望由您来处理即可。所以情况有两面，但当然可以在没有合作经验的前提下直接与艺术家一起使用 Soundscape，并创造出非常有趣的成果。